:  Depeche Mode

Das "New Life" als Popstars schien aber schon 1981 beendet zu sein, als Songwriter Clarke (später Yazoo, Erasure, VCMG) abdankt. Der Tourstress. Keyboard-Blondie Martin Gore zeigt jedoch ungeahntes Kompositionstalent indem er den Trällerkanonen seines Vorgängers die nötige Spur Tiefgang in den Melodien folgen lässt. "Leave In Silence" von 1982 schwebt schon Welten über "Just Can't Get Enough".

Bei "Construction Time Again" 1983 steigt Alan Wilder vom gebuchten Live-Musiker zum festen Bandmitglied auf und kommt damit pünktlich zur Erforschung der Sampling-Technik, die die Depeche-Songs jener Zeit prägt - der Song "Pipeline" besteht gar ausschließlich aus aneinander gereihten Samples. Diese später als Industrial-Phase bezeichnete Zeit führt das Quartett nach Berlin, wo die Hansa Studios mit Renommee (Bowie) und einem 56-Spuren-Mischpult locken. Gesamplet wird alles, was Geräusche erzeugt. Neubauten-Chef Blixa Bargeld, ebenfalls Hansa-Gast, wird später behaupten, DM hätten sich für ihren größten Hit mit Samples aus Neubauten-Restbeständen bedient, was Wilder als "lächerlich" bezeichnet.

Besagter Hit heißt "People Are People", verdrängt am 26. April 1984 Alphavilles "Big In Japan" vom ersten Platz der deutschen Charts und wird fortan neben Queens "Radio Ga Ga" auf jeder Grillfete gegrölt. Mit dem Wirbel um die skandalträchtigen Lyrics in den Nachfolge-Hits "Master & Servant" (S&M) und "Blasphemous Rumours" (Gotteslästerung) füllen sich auch die Hallen der 84er Tour. In Ludwigshafen tritt man sogar auf einem Elton John-Festival auf (Mister Crocodile Rock prophezeit der Band nebenbei eine große Zukunft, ein Visionär?). Traurig endet ein Dezember-Konzert in Böblingen, wo ein Verrückter bei der Zugabe "See You" eine Rauchbombe zündet, die Panik auslöst, zum Glück aber keine Verletzten fordert.

1985 werden die Staaten angetestet. Den Erfolg verdanken DM wieder vor allem "People Are People", das zusammen mit einer Greatest Hits-Scheibe den Weg in die College Radios findet. Gore, der mittlerweile bevorzugt in Frauenkleidern und bunt geschminkt die Bühnen betritt und sich als Nightlife-Stripper einen Namen macht, spaltet zunehmend konservative Lager und wird zum Idol in homosexuellen Kreisen.

Auf dieser Tour legen Mode auch den Grundstein für die umjubelte 88er Tour. Nach dem soundtechnisch eher stagnierenden "Shake The Disease" gerät die Single "It's Called A Heart" endgültig zur Blaupause interner Orientierungslosigkeit. Bis heute ist keines der Bandmitglieder mit dem Song zufrieden, Wilder habe gar "schon damals für das weit komplexere 'Fly On The Windscreen' als Single votiert".

Mit "Black Celebration", wie die beiden Vorgänger in Berlin produziert, offenbart die Band ihre düsterste Seite, die Single "Stripped" zählt zu den stärksten Singles, die DM bis dato veröffentlichen (in den Staaten erscheint zum Ärger der Band die gefällige B-Seite "But Not Tonight" als Single). Mit dem holländischen Fotograf und Video-Regisseur Anton Corbijn betritt zudem eine bald nicht mehr weg zu denkende visionäre Kraft die DM-Bühne.

"Music For The Masses" zeigt eine Abkehr von früheren Sampling-Orgien hin zu organischeren Sounds. Das Album beschert der Band den Durchbruch in Amerika, ein Livealbum der "101"-Show und ein Video der Tour kommen in den Handel. Die Tour führt DM im März 1988 auch erstmals nach Ost-Berlin, wo man die vereinbarten 5000 Westmark Gage einnimmt und etwa 100.000 Mark Verlust macht. Auch hier werden sie von Fans (und Parteifunktionären?) lautstark gefeiert.

Schließlich 1990, das Jahr der Welteroberung. Mancher ahnt es bereits, als sich Ende '89 der bluesy Riffklotz "Personal Jesus" in die Plattensammlung früherer Mode-Hasser einschleicht und zu einer der bestverkauftesten US-Singles ever wird. Das Album "Violator" plus "Enjoy The Silence" als Popsingle par excellence sorgen dafür, dass die Jungs in aller Welt vor ausverkauften Hütten spielen.

Doch dass Sänger Dave drei Jahre später mit ungekämmter Kurt Cobain-Matte den Grunge-Held himself als Rockerlöser beerben will, überrascht dann doch. Auch im Drogenkonsum ist Gahan kein Chorknabe mehr, was zu diesem Zeitpunkt nur wenige wissen. Die Single "I Feel You" böllert mit Rückkopplungen à la Sonic Youth in die Charts und das '93er Album selbst wird zur offensichtlichsten Reminiszenz an den Zeitgeist seit Bandbestehen.

Mit Nummer Eins-Platzierungen in Deutschland, England und den Staaten beginnt eine euphorische Welttournee, die böse enden sollte. 14 Monate verbringt man auf der Straße (174 Konzerte) und Dave als bekennender Jane's Addiction-Fan fühlt sich sichtlich wohl in der neuen Rolle als Rock-Gott. Mit der Bandchemie ists indes vorbei: alle Vier haben eigene Backstage-Räume, eigene Limos und wohnen in Hotels nicht nur auf verschiedenen Etagen sondern auch diagonal, damit niemand die After Show-Eskapaden eines Kollegen über/unter sich mitkriegt. Mitte 1994 endet die Mammut-Tour, Dave wandelt weiter eisern in Cobains Spuren und Technikgenie Alan steigt 1995 entnervt aus und werkelt seitdem am Soloprojekt Recoil.

Wie 1997 "Ultra" erscheinen konnte, nachdem Gahan mit einem Selbstmordversuch und der Erfüllung sämtlicher Befürchtungen quasi untragbar wurde, bleibt ein Rätsel. Die Rückkehr beeindruckt durch düstere und minimale Elektronikklänge fernab von Bombast-Arrangements, einzig "Barrel Of A Gun" erinnert noch an DMs Gitarrenphase. Die von Tim Simenon (Bomb The Bass) produzierte Scheibe schlägt ein und holt gleichzeitig einige alte Synthie-Fans zurück. 1998 wagt das Trio eine auf fünf Monate abgespeckte Welttour, die auch der wieder nüchterne Dave gut übersteht.

Ab "Playing The Angel" (2005) beteiligt sich auch Sänger Gahan am Songwriting, im DM-Kontext eine mittelgroße Revolution. Dennoch zählen Depeche Mode gerade live zu den Big Playern des Geschäfts und erreichen im Jahr 2009 mehr Menschen als zu ihrer kommerziellen Hochphase 1990. Im Single-Ranking sind sie seit 1977 die erfolgreichste Band aller Zeiten, die zusammengerechnet 575 Wochen in der Hitliste rangierte.

Schulzky, Depeche Mode-Fan und Songwriter der Berliner Band The Aim Of Design Is To Define Space, traf Martin Gore für laut.de in Berlin. Checkt auch die Depeche Mode-Releasepartys zu "Sounds Of The Universe" an diesem Wochenende aus (siehe Surftipps).

Wenn Künstler aus unserem schönen Land ihre Helden treffen, beschleicht einen schnell ein ungutes Gefühl. Wem treibt der Auftritt von Wolfgang Niedecken in Bruce Springsteens "Hungry Heart" Video nicht die Schamesröte ins Gesicht? Auch die Kollabo von Herbie Grönemeyer mit Antony Hegarty hinterließ Leere und Fragezeichen.

Sollen sich die internationalen Künstler doch auf Augenhöhe treffen, denkt man sich: "Non siamo soli", das Duett von Ricky Martin und Eros Ramazotti, Puerto Rico featuring Italien, sei da als positives Beispiel genannt.

Schlimmer wirds nur noch, wenn an Ereignissen arme lokale Karrieren unnötig in die Länge gezogen werden und Künstler, die eben noch geschüttelreimt haben, plötzlich zu Autoren oder Schriftstellern mutieren. So verfasst Maurice Summen, ehemals oder immer noch Kopf von Die Türen, für die Berliner Zeitung neuerdings völlig unironische Kritiken über Sarah Connor-Konzerte.

Und auch die Werke von Christiane Rösinger (Britta) oder Nagel (Muff Potter) wecken eher das Bedürfnis, die Erfindung des Buchdrucks zu verfluchen. Dann doch lieber gleich saftige Gastrokritiken verfassen so wie neuerdings Blixa Bargeld in seinem Restaurantreiseführer "Europa kreuzweise" oder die kulinarische FAZ-Kolumne von Jürgen Dollase, ehemals Keyboarder und Backgroundsänger der 70er-Krautrockband Wallenstein.

Nun sollte ich mich in diese traurige Riege einreihen und Martin Gore interviewen. Einige meiner Helden habe ich schon getroffen: Salman Rushdie saß mir mal mit einer sehr jungen Dame im Speisewagen vom ICE Köln/Berlin gegenüber, Boy George gab mir auf seiner Party in London Begrüßungsbussis, ich beglückwünschte Thomas Kretschmann persönlich zu seinem Auftritt bei "Valkyrie", Philip Roth trafen wir im "Ouest" in New Yorks Upper West Side, Maxim Biller verkaufte ich einmal beinah eine Badehose und als Student war ich mal mit Peter Sloterdijk essen. Der ließ gleich zweimal den Wein zurückgehen!

Nun also Martin Gore. Meine nach wie vor ungebrochene Leidenschaft für Depeche Mode ist an anderer Stelle nachzulesen (siehe Surftipps). Ich war sehr aufgeregt. Im Hotel de Rome stolperte ich erst einmal über Christian Eigner, den österreichischen Live-Drummer der Band.

Ich band ihm nicht gleich unter die Nase, dass er fast alle klassischen Depeche-Stücke zertrommelt, denn man sah und roch ihm die Echo-Party vom Vorabend noch deutlich an. Und dann gings schon los. Gore trug das, was man wohl "expensive casual" nennt, nicht Ed Hardy, aber fast. Ich stelle mich vor: "Stephan". Er reichte mir die Hand: "Martin". Sehr höflich, hochprofessionell, eben sehr amerikanisch.

Als dein zweites Soloalbum rauskam, hast du gesagt, du würdest all die Solokünstler bedauern, die alleine unterwegs seien, da es mit einer Band backstage immer lustiger zugehe.

Ja, klar. Mit mehreren Leuten ist es immer witziger. Gestern (beim Echo) waren neben uns dreien noch Christian und Andrew dabei. Sagte ich Andrew? Christian und Peter natürlich!

Viele eurer Zeitgenossen konzentrierten sich meiner Ansicht nach zu sehr auf technisches oder soundfixiertes Songwriting und vergessen darüber oft den Song an sich. Gerade britische Bands. Glaubst du, dass deine amerikanischen Wurzeln hier eine Rolle spielen?

Ich bezweifle, dass das einen Einfluss auf mein Songwriting oder meinen Gesangsstil hatte, aber ich weiß es natürlich nicht. Jedenfalls bin ich in Essex groß geworden und erfuhr erst im Alter von 31, dass mein richtiger Vater Amerikaner war, ein schwarzer Amerikaner. Daher kann ich schwer beurteilen, inwieweit mich das beeinflusst hat.

Ich weiß nur, dass ich viel mehr Gospel-Musik höre als meine Freunde. Das ging schon los als ich 20 war. Aber natürlich habe ich mir diese Frage auch schon oft gestellt: Hast du das in deinen Genen oder nicht? (lacht)

Im Song "Perfect" gibt es die Zeile "I'm just a plain and simple singer". Das erinnert an Bob Dylans "I'm just a song and dance man". Hat dein Umzug nach Amerika dein Songwriting beeinflusst?

Interessanter Punkt, wenngleich auch diese Frage schwer zu beantworten ist. Ich finde, die Platte klingt positiver, ist schneller und vielleicht auch spiritueller. Letzteres würde ich zumindest "Peace" und "A Little Soul" zuschreiben. Ich will jetzt wirklich nicht wie ein New Age-Hippie klingen, aber die Tatsache, dass ich in Kalifornien lebe, mag auch ihren Teil zu den Songs beigetragen haben.

Ich muss bei eurem Album "Exciter", das ich kürzlich wieder für mich entdeckt habe, immer an die Hitze und Traurigkeit eines kalifornischen Vorabends denken. Sind die Songs 2000 auch schon in Kalifornien entstanden?

Nein, die Hälfte des Albums ist noch in England entstanden. Aber ich war schon am Übersiedeln.

Du hast diesmal mehr Songs geschrieben als je zuvor im Vorfeld eines Albums. Woher stammt diese Energie?

Da gibt es mehrere Gründe. Zum einen wusste ich, dass Dave wieder an einem Soloalbum arbeiten würde. Für mich bedeutete das: ein ganzes Jahr Zeit fürs Songwriting, ganz relaxt. So konnte ich mich auf mein eigenes Tempo konzentrieren und hatte keinen Druck von außen. Für jeden Song habe ich ungefähr ein paar Wochen benötigt.

Und du weißt immer, wann ein Song fertig ist?

Also, ich weiß meistens, wann ein Demo so weit ist, dass man es anderen Leuten vorspielen kann. Ein anderer Grund, warum es diesmal schneller ging, war, dass ich den Songwritingprozess aufs Laptop umgestellt habe. Das hat ziemlich Zeit gespart.

Die neue Platte ist strukturell sehr vielschichtig. Wie früh weißt du schon, welche Sounds den Songs später gut stehen? Früher hast du deine Demos ja bewusst einfach gehalten, damit im Studio viel experimentiert werden konnte.

Früher arbeitete ich meist auf der Gitarre die Grundakkorde, die Songstruktur und die Melodien heraus, natürlich auch den Text. Oder auch auf dem Klavier. Heute stehe ich manchmal auch am Keyboard, teste dort verschiedene Sounds oder programmiere etwas und beginne dann, dazu zu singen. Diesmal ging das aber erstaunlich schnell, eben wegen dem Laptop.

Und dann hatten wir einfach von der letzten Platte noch ziemlichen Schwung. Kaum waren wir von dieser sehr erfolgreichen Tournee wieder zu Hause, hatte ich das Gefühl, dass es gut wäre, so schnell wie möglich wieder neue Songs zu schreiben. Das ist auch eher ungewöhnlich, da es ein Leichtes für mich gewesen wäre, einfach ein Jahr Pause zu machen. Nach dem Motto: Soll Dave erstmal sein Soloalbum veröffentlichen, dann kann ich immer noch damit anfangen.

Bist du eigentlich ein 'natürlicher' Songwriter? Sprich: Musst du schreiben? Früher war es ja eher so, dass du Songs geschrieben hast, wenn es eben an der Zeit war, oder?

Ich schreibe nicht durchgehend. Wenn ich mich mal hinsetze und anfange, dann läuft es, aber sobald ich fertig bin, und wir zum Beispiel das Album aufnehmen, kehre ich nicht jeden Abend nach Hause zurück, um mich an neue Songs zu setzen.

Fiel euch der Titel "Sounds Of the Universe" eher früh oder spät ein?

Der kam schon ziemlich früh, wobei ich nicht mehr genau weiß, wie wir da draufgekommen sind. Er schien zu passen. Ich finde ohnehin, dass wir diesmal Sounds benutzen, die manchmal schon an 60s Space Age-Pop erinnern.

"Man glaubt immer, nur Drogen machen kreativ"

Die zweite Stimme ist selten schon beim Demo eines Songs da. Das ist dann Studioarbeit. Dort ist das auch viel einfacher. Ich denke, das hat mit dem Umstand zu tun, wie Daves und meine Stimme zusammen harmonieren. Er hat diese mächtige Stimme, diesen Bariton, und wenn darüber dann meine eher dünne, weiche, oder wie immer man es nennen will, wenn beide Stimmen zusammen kommen, funktioniert es sehr gut. Die beiden Frequenzen ergänzen sich offenbar ziemlich gut.

Wie gehst du vor, wenn Daves Stimme einmal nicht richtig zu deinem Song passen will? Muss er improvisieren? Veränderst du dann deine Songs?

Das erste, was wir zusammen im Studio erarbeiten, ist die Tonart und das Tempo. Ich habe zum Beispiel eine nicht näher bestimmbare Tendenz, Songs langsamer aufzunehmen. Ich will die Demos wohl bewusst depressiv halten (lacht) Meistens müssen wir im Studio also das Tempo anziehen, wobei dieses Mal erstaunlich viele Songs das Tempo der Demos beibehalten haben. Was die Tonart betrifft, gehen wir meistens einen Halbtonschritt runter, manchmal auch einen ganzen. Dave singt eben auf einer tieferen Stufe.

Du hast auf dem neuen Album erstmals einen Song mit Dave gemeinsam geschrieben, wobei ich leider nicht weiß, welcher es ist.

Der Grund, warum du es nicht weißt, ist: Du hast ihn noch gar nicht gehört. Er ist nicht auf dem Album, wird aber auf eine Single und mit vier anderen auf das Boxset kommen. Es war allerdings keine wirkliche Kooperation. Ich hatte ein Techno-Instrumental geschrieben, das Dave sehr gut gefiel. Also nahm er den Song abends mit ins Hotel und arbeitete einen Text und eine Gesangsmelodie heraus.

Unterhaltet ihr euch heute mehr als früher? Tauscht ihr euch im Studio aus wie es andere Songwriter wahrscheinlich auch tun?

Nun, wir schreiben unabhängig voneinander. Sobald wir uns im Studio treffen, gerät aber ein ganzer Apparat in Bewegung. Es ist eher eine Kollaboration aller am Album Beteiligten, vom Programmierer bis hin zu Produzent Ben Hillier. Jeder einzelne Track bekommt sozusagen die gleiche Aufmerksamkeit von allen.

Am Ende dieses Prozesses ist es daher beinahe nicht mehr möglich zu sagen, wer eigentlich was geschrieben hat. Du kannst meiner Meinung nach anschließend nicht mehr klar und deutlich sagen: Das hier ist Daves Song.

Ich finde, man erkennt es an den Akkordwechseln.

Ja, vielleicht.

Ist euer Drummer Christian Eigner auch in den Kreativprozess involviert?

Er ist vor allem für die Live-Umsetzung unserer Songs wichtig und hat der Band dadurch eine ganz neue Sound-Dimension verliehen. Mit ihm wurden wir eine ganz andere Band. Im Studio sind wir nach wie vor eher elektronisch, auf der Bühne dann eine Liveband. Auf dieser Platte war er auch in den kreativen Prozess eingebunden, was nicht heißt, dass er die ganze Zeit bei uns im Studio war.

Wir schickten ihm Tracks, die er in Österreich bearbeitete und uns danach zurückschickte. Ich glaube er war an drei Tracks beteiligt. Und wenn wir das Schlagzeug dann bearbeiten, klingt es eh nicht mehr wie echte Drums. (lacht)

Im Vorfeld war ständig von eurer guten Laune im Studio die Rede, dass ihr noch nie so gut miteinander ausgekommen wärt. Man konnte fast schon Angst bekommen, die Platte würde am Ende auch so klingen.

Ich denke, es ist ein großer Mythos, dass eine Platte nur dann gut wird, wenn es im Studio Spannungen gibt. Man glaubt sowas immer sehr schnell. Oder dass man nur mit Drogen kreativ sein kann. Ich habe vor drei Jahren mit dem Trinken aufgehört, während unserer letzten Tour.

Das ist übrigens sehr wahrscheinlich ein weiterer Grund, warum ich dieses Mal produktiver war. Mehr Zeit, mehr Konzentration. Ich hing ja auch jahrelang dem Irrglauben nach, dass ich nie wieder einen Song schreiben könnte, wenn ich aufhöre zu trinken. Ich bin mir sicher, dass das nach wie vor viele Musiker und Künstler glauben.

Erinnerst du dich an den Augenblick, an dem du das Gefühl hattest, Depeche Mode könnte eine Karriere sein?

Puh, ich weiß nicht, das ist eine gute Frage. Wir schließen eine Sache immer zuerst ab, bevor wir weiter schauen. Die Leute fragen uns zum Beispiel immer, was wir nach einer Tour geplant haben. Keine Ahnung, wir haben dafür noch keine Pläne.

"Die deutschen Fans waren schon früh absolute Die Hards"

Das ist schwer zu beantworten, vielleicht waren wir immer von Natur aus pessimistisch. Wir hatten nie das Gefühl, etabliert zu sein.

Glaubt ihr das heute immer noch?

Nein, heute vielleicht nicht mehr. Ich denke, seit den letzten Alben hat sich schon ein Gefühl breitgemacht, dass wir eine Hürde genommen haben. Wir wissen, dass wir schon sehr lange dabei sind und sehen eine Chance, noch ein bisschen länger dabei zu bleiben. (lacht)

Es heißt, ihr geht im Sommer erstmals auf Stadiontournee, dabei habt ihr doch schon oft in Stadien gespielt.

Ja, wir haben über die Jahre schon öfter in Stadien gespielt, aber eben nicht ausschließlich.

Macht ja auch mehr Sinn: Einmal Olympiastadion statt drei Mal Waldbühne.

Yeah (lacht) Nein, ich denke es ist interessant, dass wir nach 29 Jahren im Musikgeschäft populärer sind als jemals zuvor. Selbst zu den Hochzeiten von "Violator" und "Songs Of Faith And Devotion" hätten wir niemals auf eine Stadiontour gehen können. Und heute können wir das. Was ziemlich erstaunlich ist nach 29 Jahren.

Ihr habt eben die fanatischsten Fans überhaupt. Manchmal spielen sich da ja Szenen ab wie damals bei den Beatles.

Ja, in Deutschland hatten wir immer großes Glück. Unsere deutschen Fans waren schon zu einem sehr frühen Zeitpunkt absolute Die Hards. Mittlerweile haben wir unseren Status aber in ganz Europa gefestigt. Ich meine, wir spielen in Paris im Stade de France.

Ja, ein Stadion für 80.000 Menschen.

Genau. Auch dort hätten wir mit "Violator" oder "Songs Of Faith And Devotion" nicht auftreten können.

Freust du dich schon, die neuen Songs live zu spielen?

Das mag jetzt verrückt klingen, aber wir finden unser neues Album so gut, dass wir am liebsten jedes einzelne Stück live spielen würden. Gleichzeitig wissen wir natürlich, dass das nicht geht. Wir müssen uns also auf ungefähr sieben einigen. Das wird wieder einige Diskussionen geben. Zumal es eben einfach alte Songs gibt, die wir spielen müssen. Denn wenn wir es nicht tun, würden sich die Leute beschweren.

Schließlich spielt ihr in Stadien.

Eben. Wir können da nicht rausgehen und die obskuren Sachen spielen, die kaum einer kennt.

Letzte Frage: Hast du gehört, dass Neil Tennant von den Pet Shop Boys in einem Interview erklärte, dass eigentlich ihr seinen Brit Awards verdient gehabt hättet?

Ja, haben wir. Das war sehr nett von ihm.

Er hat ihn dann aber trotzdem gern selbst behalten.

Wer weiß, vielleicht ist er schon in der Post.

Die ersten Künstler auf Fletchers Label Toast Hawaii sind Client, eine weibliche Elektro-Pop-Band. Für die legt sich der Mann nun mächtig ins Zeug, während Depeche Mode pausieren. Letzteres soll sich allerdings bald ändern, wie Fletcher im LAUT-Interview verrät.

Hast du denn schon mal eine Rede über das A&R-Business gehalten oder ist die Kölner Keynote Speech in dieser Hinsicht eine Premiere für dich?

Nun, das Hauptthema des Ganzen ist eigentlich 'A Lifetime In Music'. Als Sprecher von Depeche Mode bin ich zwar generell schon der Mann für Ansprachen, so lange wie morgen habe ich allerdings noch nie vor Leuten gesprochen. Vor allem wird es morgen ein paar lustige Geschichten der frühen Depeche-Jahre zu hören geben. Außerdem gehts um unser langjähriges Verhältnis zu Mute Records und wie enorm wichtig diese Verbindung für unsere Karriere war. Daraus ziehe ich ja heute für die Arbeit in meiner Plattenfirma und mit Client großen Nutzen. Die Rede habe ich vorbereitet, während ich mit meiner Familie in Spanien im Urlaub war, und da kamen einige recht lustige Erinnerungen hoch. In den Text ist ohnehin viel Humor eingeflossen, vor allem weil ich so meine Nervosität kaschieren kann.

Du bist also richtig aufgeregt?

Ja, ziemlich. Ich denke dass ich, genau wie Martin und Dave, zur Zeit versuche, nach vorne zu kommen. Es ist sehr einfach sich zurück zu lehnen, wenn du in einer Band wie Depeche bist. Wir haben ein Riesenpublikum, ein Stammpublikum. Da ist es wichtig, sich noch selbst zu fordern.

Der Client-Song "The Price of Love" ist der erste Release auf deinem Label Toast Hawaii. Ironischerweise hatten Depeche Mode in den frühen Jahren auch einen Song mit diesem Namen. Erinnerst du dich?

Yeah, aber das war eine Coverversion von den Everly Brothers. Bryan Ferry hat die später auch gecovert. (grinst) Aber natürlich ist es Zufall, ich glaube nicht, dass Kate und Sarah den Song gehört haben oder gar unsere Version. Aber es ist ein schöner Zufall, muss ich zugeben. Eigentlich ist es die beste Coverversion, die wir je gemacht haben. In unseren Anfangstagen hatten wir ja einige Covers am Start. Manchmal wollte Dave sie singen und manchmal nicht. Das hing immer davon ab, wie sehr ihm ein Song peinlich war. (lacht)

Wann hast du ernsthaft darüber nachgedacht, auf die andere Seite im Musikbusiness zu wechseln?

Ehrlich gesagt habe ich das schon immer gemacht, da wir bei Depeche nie einen Manager hatten. Das lief immer alles gemeinschaftlich mit Daniel (Miller, Mute-Chef, Anm. d. Red.) ab. Als Künstler hatten wir das Glück, dass wir gezwungen waren, die Plattenindustrie von grundauf kennen zu lernen, und dadurch konnten wir sicher mehr Erfahrungen machen als so manche andere Band. Als wir damals zu Mute kamen, war da ja nur Daniel. Dann wurden aus Daniel zwei Leute, dann drei usw. Ich fand das Thema aber schon immer interessant. Nur war ich mit Depeche leider immer zu beschäftigt und in der freien Zeit, die dann übrig bleibt, ist es sehr schwer, einen Künstler zu finden, der gute Songs schreibt.

Hattest du vor dem Client-Signing schon eine bestimmte Musikrichtung für dein Label vor Augen?

Leider lief das andersrum ab, denn ich kannte Client schon vorher und traf sie öfters im Pub. Dann spielten sie mir ihre Demos vor und ich mochte sie, so begann das. Wir arbeiteten zusammen im Studio und als es immer besser lief war es Zeit für einen Entschluss. Ich fragte mich: Soll ich sie managen, an eine Plattenfirma vermitteln oder meine eigene Firma gründen? Na, dann gründe ich meine eigene. So lief es auch mit dem Vertrieb, denn natürlich passen Client sehr gut zu Mute, wobei Toast Hawaii keinen Exklusiv-Deal mit Mute hat. Generell geht es einfach um gute Songs. Wenn ich einen guten Künstler finde, muss er nicht zwangsläufig elektronische Musik machen.

Musstest du Daniel Miller von Client überzeugen?

Nein, denn Daniel war von Anfang an mit dabei, er kannte schon die frühen Demos. Er hat uns die ganze Zeit unterstützt. Wie immer eben.

Wo kommst du mit neuen Bands in Berührung? Gehst du noch in Clubs?

Ähm nein ... (grinst), wobei doch, neulich war ich mal wieder weg. Ich lege ja neuerdings wegen Client ab und zu auf und komme dadurch rum, auch wenn ich mich nicht als geborener DJ betrachte. Ich habe das Glück, dass ... heute abend zum Beispiel, immer wenn ich irgendwo rumlaufe geben mir die Leute CDs (lacht), überall. Es ist verrückt, manche Leute packen sich scheinbar morgens CDs ein und denken 'Ich könnte ja später Fletch treffen'. Jedenfalls kriege ich rund 40 CDs die Woche und die höre ich mir auch alle an. Ich hoffe, es läuft so weiter, denn ich bin neu in diesem Geschäft. Daniel versucht immer die Leute zu meiden, die mit CDs auf ihn zukommen. Aber er macht das ja auch schon seit, ähh, 26 Jahren, versteht ihr? (grinst)

Welche Stadt ist für dich in musikalischer Hinsicht die interessanteste?

Am interessantesten war für mich schon immer New Orleans. Es ist mit Abstand die größte Musikstadt, in der ich jemals war. Nicht weil es eine hippe Stadt wäre oder dort viel Avantgarde geboten würde, aber in New Orleans wird Musik förmlich aufgesaugt. An allen Ecken.

Kannst du ein paar Bands nennen?

Nein gar nicht. Da geht es mir mehr um die Atmosphäre. Aber wenn du Bands hören willst ... Nun, wenn ich bei mir zuhause bin, höre ich sehr viel alte Musik. Eigentlich auch wenn ich herum reise, aber dann wird es sentimental, Stevie Wonder und sowas. Ich kann euch aber keine Band der Stunde nennen, da wäre Martin der geeignetere Mann. Er ist die ganze Zeit auf der Suche nach neuen Bands.

Was muss eine Band also mitbringen, um auf Toast Hawaii zu veröffentlichen?

Also die Grundvoraussetzung ist, dass es gute Songs sind. Ich bin in der sehr glücklichen Lage, in einer Band zu sein, die zwei großartige Songwriter hervor gebracht hat: Vince Clarke und Martin Gore. Das ganze Business dreht sich einzig und allein um gute Songs. Ob es ein Bob Marley ist oder was auch immer. Dank Client habe ich allerdings auch Gefallen daran gefunden, mit Frauen zu arbeiten, schließlich hänge ich schon mein ganzes Leben schon in einer Boyband rum.

Würdest du eine deutschsprachige Band verpflichten?

Ähh ... (überlegt) ja, warum nicht? Auch hier gilt natürlich der Grundsatz, dass der Song an sich gut sein muss. Die Texte würde ich halt nicht verstehen, da ich kein deutsch kann. Vielleicht könnte ich Martin dazu kriegen, sie mir zu übersetzen. Aber eine Sprachbarriere gibt es eigentlich nicht. Mein Hauptproblem ist eher, dass Client momentan den Hauptteil meiner Zeit beanspruchen, und Depeche nächstes Jahr wieder ins Studio gehen. Dann bin ich wieder zwei Jahre weg.

Wer macht denn dann deine Arbeit?

Naja, ich bin ja nicht die ganze Zeit am Stück weg, da wir meistens in Abschnitten von vier bis sechs Wochen arbeiten und uns dann wieder kurz trennen. So kann ich trotzdem noch meine Labelarbeit überblicken.

Dann ist also ein neues Depeche Mode-Album geplant. Was dachtest du denn kürzlich, als Dave der Presse erzählte, er sähe nur dann eine Zukunft der Band, wenn er mehr Mitspracherecht im Songwriting-Prozess bekommt?

Dave redet Unsinn. Ich meine, er hat gerade sein erstes Soloalbum heraus gebracht, "Paper Monsters", und da darf er mit Recht sehr stolz drauf sein. Deshalb schwebt er derzeit ein bisschen auf einer Wolke, tourt mit neuen Musikern um die Welt und so. Doch im Grunde weiß er natürlich, dass Martin der Songwriter ist. Martins Songs und Daves Stimme, das ist Depeche Mode. Es ist übrigens auch nicht so, dass er früher Songs mitgebracht hätte, die abgeschmettert wurden, wie oft erzählt wird. Da gab es höchstens Skizzen oder Songideen. Martin ist bei weitem der netteste und coolste Typ, den man sich nur vorstellen kann. Er würde niemals Songs von anderen aus verletztem Stolz ablehnen.

Das Interview führte Michael Schuh.