:  John Frusciante

Wie die Legende besagt, beginnt ab diesem Tag - trotz des Altersunterschieds von acht Jahren - eine innige Freundschaft zwischen Frusciante und den Peppers (bestehend aus Anthony Kiedis, Flea, Hillel Slovak und Jack Irons), zu deren Gedeihen vor allem Frusciante beiträgt, der der Band zu unzähligen Konzerten hinterher reist. Seine Begeisterung für Slovaks Gitarrenspiel beschrieb Frusciante später einmal so: "Ich versuchte, genau so zu spielen wie er. Meine Freunde meinten, ich hätte einen eigenen Stil, doch alles was ich machte, war, Hillel zu kopieren."

Nach dem Achtungserfolg "The Uplift Mofo Party Plan" von 1987 und der '88er EP "Abbey Road" arbeiten die Chili Peppers gerade am vierten Studioalbum, das "Rockin' Freakapotamus" heißen sollte (heute der Name des RHCP-Fanclubs), als Hillel Slovak am 25. Juni 1988 an einer Überdosis stirbt. Die Band ist geschockt und nimmt sich eine einjährige Auszeit. Als Anthony und Flea 1989 die Band wiederbeleben wollen, hat das zukünftige Pearl Jam-Mitglied Irons das Boot bereits verlassen. Der ebenfalls geschockte John Frusciante ist gerade dabei, ein Angebot der L.A.-Combo Thelonious Monster anzunehmen, als er seinen jugendlichen Traumjob als Chili Peppers-Gitarrist angeboten bekommt.

Der Zeitpunkt hätte günstiger nicht sein können. "Mother's Milk" wird mit dem jungen Frusciante noch erfolgreicher als der Vorgänger, erreicht Gold-Status und bringt die Band erneut auf Tour nach Europa. Der große Wurf gelingt den Peppers dann 1991: "Blood Sugar Sex Magik" entwickelt sich zu Beginn des Crossover-Booms rasch zum Welterfolg und ist zu großen Teilen dem Gitarrenspiel Frusciantes zu verdanken. Um den plötzlichen Ruhm zu verdauen, setzt der 20-Jährige wie auch Sänger Kiedis auf üppigen Drogenkonsum, der sich beim Nesthäkchen verstärkt in unvorhersehbaren Verhaltensweisen äußert.

Zu dieser Kategorie gehört sein abrupter Ausstieg bei den Peppers inmitten einer Japan-Tournee 1992. Ein Entschluss, den ihm Anthony bis zum Wiedereinstieg im Jahr 1998 nicht verzeiht. Einzig Flea hält sporadischen Kontakt zu ihm aufrecht. In den sechs Peppers-losen Jahren führt Frusciante das Leben eines millionenschweren Einsiedlers, der sich in seinem Haus in L.A. einschließt und penibel auf uneingeschränkte Drogenzufuhr achtet.

Dank den Überredungskünsten seiner Kumpels River Phoenix, Gibby Haynes (Butthole Surfers) und Perry Farrell (Jane's Addiction) veröffentlicht John 1994 seine privaten Aufnahmen "Niandra Lades" (Songs 1-12) und "Usually Just A T-Shirt" (Songs 13-25) auf einem Album über Rick Rubins Label "American Recordings". Die enttäuschenden Verkaufszahlen kümmern den Misanthropen Frusciante wenig. Ihm geht es einzig darum, seine "wahren Gefühle" zu vermitteln, die ihm Stimmen und Seelen aus dem weiten Universum zuflüstern.

Auch auf dem Nachfolger von 1997 krächzt John seine unmittelbaren, nunmehr stark von Heroin kontrollierten Emotionen ungefiltert zur Akustikklampfe ins Aufnahmegerät. Der Release hat diesmal keine idealistischen Gründe mehr, der Eremit braucht schlicht Geld für noch mehr Drogen. Das verstörte und leidende Winseln auf "Smile From The Streets You Hold" gilt als das Paradebeispiel eines Junkie-Albums. Die Songs stammen aus dem Zeitraum zwischen 1988 und 1996, was anhand des durchgehenden Gejaules nicht weiter auffällt. 1997 unterzieht sich John einer Entziehungskur. Da die Peppers sich mit Dave Navarro gerade von ihrem x-ten Gitarristen verabschieden, veranlasst Flea eine unverbindliche Peppers-Jam Session mit John. Der Rest ist Geschichte.

Nach dem Megaerfolg von "Californication" veröffentlicht Frusciante 2001 sein auf Tour komponiertes, drittes Soloalbum "To Record Only Water For Ten Days", das sein ehemals vereinsamtes Outsider-Leben vorrangig in synthetischen Soundgefilden widerspiegelt. Bevor er mit seinen Peppers-Kumpels das zweite Hit-Album "By The Way" aufnimmt, veröffentlicht er 2002 auf seiner Homepage ein weiteres, eigenes Album mit neuen Songs. Seine Fans dürfen den Titel des reinen Internet-Albums aus vier Vorschlägen auswählen und entscheiden sich schließlich für "From The Sounds Inside". Im laut.de-Interview erzählt Chad Smith 2002, dass John zu der Zeit mit Stella Schnabel verlobt ist, der Tochter des Großformat-Malers Julian Schnabel, der auch für das Cover-Artwork von "By The Way" verantwortlich zeichnet. Die Beziehung geht jedoch in die Brüche.

2004 spielt John sein viertes Werk "Shadows Collide With People" ein, auf dem auch die Buddys Flea und Chad mitmischen. Kurz darauf versetzt der Kalifornier seine Fans in Feierstimmung: Frusciante lässt wissen, dass er weitere sechs Studioalben veröffentlichen wolle, die er seit Januar 2004 mit seinem Kollegen Josh Klinghoffer im Monatsrhythmus aufgenommen habe. Klinghoffer sollte ihn später nach seinem erneuten Ausstieg bei den Chili Peppers ersetzen.

Den Anfang macht Mitte 2004 das Werk "The Will To Death", eine Reminiszenz an die rauhen Hippie-Aufnahmetechniken der 60er und 70er Jahre mit vorwiegend düsteren Songs. Es folgen: "Automatic Writing" (unter dem Projektnamen Ataxia), "Inside Of Emptiness", "A Sphere In The Heart Of Silence", "Curtains" und die "DC EP".

Nach seinem zweiten Ausstieg bei den Chili Peppers im Jahr 2009 hat Frusciante offenbar überhaupt keine Lust mehr, weiterhin Musik für Profit zu machen. Infolgedessen spannt er mit Omar Rodriguez-Lopez, dem Gitarrero von The Mars Volta zusammen und verschenkt in kurzer Folge zwei aus diesem Projekt entstandene Alben als Gratisdownload im Internet. "The Empyrean" erscheint 2009 als letztes Album im alten Frusciante-Stil, bevor er seine Anhängerschaft 2012 mit der elektronischen EP "Letur-Lefr" überrascht, auf der u.a. RZA für den Hip Hop-Anteil verantwortlich zeichnet. Im Herbst 2012 veröffentlicht der Musiker, der im Vorjahr die Musikerin Nicole Turley geheiratet hat, das Studioalbum "PBX Funicular Intaglio Zone".

Es ist Karneval in Köln. Während draußen der Mob tobt, geht es im Foyer des Hilton Hotels geradezu friedlich zu. Das vornehme Erscheinungsbild der flanierenden Hotelgäste lässt keine Rückschlüsse auf die närrische Zeit zu. Sympathisch und sicher auch im Sinne von John Frusciante, der im dritten Stock Pressevertreter empfängt, um über sein viertes Soloalbum zu sprechen. Unser Termin ist der letzte des Tages, was in der Regel weniger erstrebenswert ist, doch der Abgesandte der Plattenfirma WEA versichert uns, dass John noch durchaus bei Laune sei und obendrein sehr gesprächig. Was wiederum daran liegen könnte, dass er später nach Hamburg fliegen und dort mit Neu!-Musiker Michael Rother dinieren wird.

Tatsächlich treffen wir einen äußerst interessierten Mann an, dem das Reden über seine Musik auch nach fünf Stunden noch so viel Spaß zu machen scheint, wie das eigentliche Komponieren. Zunächst soll es aber um Kunst gehen, was ihn gleich noch munterer macht.

Das Plattencover deines neuen Albums hat der amerikanische Dichter und Künstler René Ricard gestaltet, der bereits in den 60er Jahren in Andy Wahrhols Factory Bilder anfertigte. Welchen Einfluss hat moderne Kunst auf dein musikalisches Schaffen?

Ja ... (zögert) Künstler aus dem 20. Jahrhundert sind zweifellos eine große Inspiration für mich, wobei es natürlich auch Leute davor gab, die ich bewundere, Van Gogh zum Beispiel. Wisst ihr, fünf Jahre lang habe ich versucht, so viel wie möglich über Kunst und Malerei zu lernen und es auch selbst zu praktizieren. Am Anfang lief es gut, da ich mit meinem ganzen Herzen bei der Sache war. Aber nach einer Weile trat ich mit meinen Versuchen zunehmend auf der Stelle anstatt mich weiter zu entwickeln. Deshalb begann ich vor etwa fünf Jahren wieder mit der Musik und versuche, all das, was ich in meiner Zeit mit der Malerei an Wissen anhäufen konnte, in die Gitarre zu transformieren. Denn hier habe ich nunmal all die technischen Fertigkeiten, die mir in der Malerei versagt geblieben sind. Wenn ich über Musik nachdenke, geschieht dies immer noch besonders aus der Perspektive eines Malers, obwohl ich selbst mittlerweile nicht mehr male. Jetzt male ich nur noch mit meinem Instrument.

Aber zurück zu René Ricard: meine damalige Freundin Stella, die Tochter von Julian Schnabel, ist sehr gut mit René befreundet. So kam ich bald mit all seinen Bildern in Berührung, auf denen immer diese Worte prangten, und sie gefielen mir auf Anhieb. Das Bild von meinem Cover hat Stella irgendwann in der Garage gefunden und meinte, René solle doch ein paar Worte darauf schreiben. So kam das zustande. Ohne Kunst wäre die Welt nur ein halb so wundervoller Ort, egal ob man darunter jetzt Fotos, Gemälde oder Filme versteht. Doch Musik inspiriert mich am meisten. Ich kann tagelang dasitzen und Platten anhören ohne dass mein Hirn auch nur eine Sekunde abschaltet. Ich könnte das nicht mit Filmen oder Gemälden machen. Naja, eine Zeit lang habe ich tatsächlich damit verbracht, tagelang Bilder anzustarren. Fünf Jahre lang steckte mein Kopf ganz tief in Kunstbüchern. Das war gut.

Der angesprochene Großformatmaler Julian Schnabel besorgte das Cover zum Chili Peppers-Album "By The Way". Bist du derjenige in der Band, der Vorschläge in künstlerischer Hinsicht macht?

Ja. Damals wurde ich fast verrückt vor lauter Gedanken, die ich mir zu unserem Cover-Artwork machte. Eines Morgens rief Julian an und meinte, er könne sowas im Schlaf für uns machen. Also sagte ich: Okay, dann mach mal! (lacht)

Warst du auch derjenige, der auf die Idee kam, euer Video zu "Can't Stop" von den "One Minute Sculptures" des Österreichers Erwin Wurm inspirieren zu lassen?

Nein, das war unser Regisseur Mark Romanek. Wir bekamen etliche Vorschläge für Clip-Konzepte und die waren einfach alle schrecklich, während seine Idee ganz interessant klang ...

Ich drehe mich kurz zu Kollege Mengele um.

Wieso schaust du ihn an? Hat der auch Ideen eingeschickt? (allgemeines Lachen)

Ähh nee, ich wollte nur nachsehen, ob er schön zuhört.

Ahh, okay. Na jedenfalls waren alle Ideen total schlecht und so nahmen wir die von Mark, obwohl ich sein Skript zuerst völlig missinterpretierte. Aber ich muss sagen, ich mag das Ergebnis, denn eigentlich bin ich kein großer Fan des Video-Mediums.

Ähnlich vieler Werke Schnabels, sind auch Ricards Farben auf deinem Cover sehr ausdrucksstark, fast leuchtend, und mit dickem Pinselstrich aufgetragen. Kommt diese Maltechnik deinem persönlichen Empfinden beim Musikmachen nahe?

Nun, als ich noch mit Stella zusammen war, hing da ein Gemälde von René in ihrem Haus, vor dem habe ich tatsächlich halbe Ewigkeiten verbracht. Dieses Bild vermittelt exakt das Gefühl, das mir meine Musik gibt, seit ich ein kleines Kind bin. Ich kann das gar nicht in Worte fassen. Wenn ich mir dieses Bild von René anschaue, hallt dasselbe ästhetische Echo durch meinen Kopf wie damals, als ich anfing Musik zu machen. Das führte dann schließlich dazu, dass ich bei ihm wegen des Plattencovers anfragte.

Am Anfang des letzten Jahrhunderts versuchten zahlreiche Maler wie Wassily Kandinsky, die Farbe vom Gegenstand zu lösen. Von Kandinsky kennt man ja auch Experimente, die als Farbmusik berühmt wurden, und die sollen ihn schließlich zu dem Satz geführt haben: "Ich wünschte, meine Bilder könnten an die ungeheure Ausdruckskraft der Musik heran reichen." Würdest du auch sagen, dass Gefühle mit Musik besser auszudrücken sind?

Well ... (überlegt eine Weile, beginnt einen Satz und bricht wieder ab) Gefühle laufen ja auf nicht-sprachlicher Ebene ab. Für mich existiert kein verstandesmäßiger Weg, meine Gefühle zu transportieren. Der Verstand hilft mir aber dabei, Ideen auszuarbeiten. Als Musiker geht es mir darum, an einer Idee so lange zu feilen, bis sie Dinge zusammen führt, die so vorher noch nicht zusammen geführt wurden oder ich versuche eine Idee zu entwickeln, die gegensätzliche Konzepte vereint. Wenn ich Musik mache, will mein Kopf die Wirklichkeit mit Worten in einer Art neu ordnen, wie die Wirklichkeit selbst dazu nicht imstande ist. Gefühle sind eher wie ein Geschenk, ich meine, ich habe ein Herz und das ist in allem drin, was ich tue. (zögert) Als ich noch gemalt habe, kamen am Ende immer präzise und technische, von meinem Verstand diktierte Bilder heraus, was allerdings einer der Gründe dafür ist, warum ich nicht mehr male.

Breitbeinig fläzt John in seinem Sessel. Er überlegt lange, um einer Antwort den richtigen Dreh zu geben. Manchmal hält er mitten im Satz inne, als wüsste er nicht mehr weiter, bevor er zum nächsten Gedankensprung ansetzt.

Mich faszinierten eben schon immer die mechanischen Bilder und Zeichungen von Francis Pacabia oder von Marcel Duchamp, ihrer Konzeption fühle ich mich sehr nahe. Oder nimm Leonardo Da Vincis architektonische Zeichungen, all diese verstandesmäßigen Werke inspirieren mich, aber Gefühle sind kein Teil von ihnen. Es ist vielmehr die Vermittlung von Gefühlen, wozu all diese Künstler imstande sind. Wären diese Werke von irgendwelchen daher gelaufenen Geschäftsmännern angefertigt, hätten sie sicher nicht diese unglaubliche Wärme und Ausdruckskraft. Die Gefühle fließen in die Werke mit ein, aber es kommt auf die Idee an. Der Wunsch, Neues zu kreieren, steht an vorderster Stelle. Das ist auch meine Herangehensweise an Musik. Ich versuche ständig, verschiedene musikalische Stile zu vereinen, verschiedene Instrumente zu benutzen usw. Wären da keine Gefühle im Spiel, würde ich natürlich überhaupt nichts erschaffen, aber sie sind nicht der zentrale Punkt.

Woher weißt du, wann ein Song fertig ist?

Wenn er fertig ist. (grinst) Als ich 21, 22 Jahre alt war, also etwa 1991, hatte ich ziemliche Probleme, Songs zu Ende bringen. Ich wusste, welche Gefühle ich transportieren wollte, aber ein Mittelteil oder ein Schluss wollte mir einfach nicht einfallen. Ich glaube, dank der Erfahrungen, die ich in den Jahren 1992 bis 1997 gesammelt habe, als mein Leben langsam aber sicher den Bach runter ging, kann ich heute Songs vollenden. Wenn mir heute eine Idee kommt, setze ich mich hin und konzentriere mich so lange darauf, bis sie ausgearbeitet ist. Dass mir eine Idee kommt und ich sie nicht richtig ausleuchten kann, passiert mir sehr selten. Aber es gab eine Zeit in meinem Leben, in der ich vergeblich versuchte, einzelne Songfragmente aneinander zu reihen. Heute glaube ich, dass das daran lag, weil ich mit meinem Leben nicht voran kam. Dieses Leben hätte im März 1998 beinahe geendet, stattdessen nahm es eine unerwartete Wende hin zum Guten. Davon handeln nun meine Songs, und daher rührt wohl auch die Fähigkeit, sie zu vollenden.

Wie lange hast du Freude an einem Song, nachdem er fertig ist?

Nun, ich stehe hinter allen Sachen, die ich gemacht habe, zum Großteil zumindest. Ja, es macht mich glücklich, meine Musik anzuhören. Das fängt schon mit den Demos an. Bei der neuen Platte war es zum ersten Mal so, dass ich vom Beginn bis zur Fertigstellung genau wusste, was ich wollte. Musikalisch bin ich diesmal wirklich bis ans äußerste Limit gegangen. Darauf bin ich stolz und das verschafft mir auch eine Befriedigung, wenn ich die Songs anhöre. Gleichzeitig stellt es nicht das Level dar, auf dem ich mich gerade befinde, mittlerweile bin ich schon wieder ganz woanders. Wisst ihr, diese Platte wurde schon im April 2003 gemastert und fertig gestellt. Für mich gehört sie also bereits der Vergangenheit an.

Wie schon auf dem letzten Album begeistert mich erneut dein intimes Songwriting mitsamt den wunderbaren Background-Chören. Allerdings scheinst du besonders an deinem Gesang gearbeitet zu haben ...

Danke. Ja, seit ungefähr drei Jahren arbeite ich ziemlich hart daran. Diesmal schnappte ich mir mit Josh einfach das Beatles-Songbook und wir sangen uns durch alle Songs, übten die Harmonien und feilten lange an der richtigen Betonung herum. Anschließend machten wir dasselbe mit Songs von Simon & Garfunkel, John Denver, Depeche Mode und The Velvet Underground. Jeden Song mit interessanten Harmonien spielten wir auf unseren Akustikgitarren rauf und runter, wir riefen auch Leute an und sangen ihnen ihre Anrufbeantworter voll. (lacht) Für die letzte Chili Peppers-Platte habe ich ja auch schon viel Zeit für das Einüben von Harmonien aufgebracht. Großen Anteil daran hat übrigens auch mein Gesangslehrer, der übrigens auch Björk trainiert. All diese Dinge führten dazu, dass ich mehr Kontrolle über meine Stimme gewinnen konnte und ich sie heute teilweise Geräusche erzeugen lassen kann, von denen ich früher nichtmal wusste, dass sie existieren.

Als wir uns 2001 in Hamburg trafen, erwähntest du musikalische Einflüsse wie Faust und Neu! - auf dieser Platte scheinen sie deutlicher als jemals zuvor durch zu schimmern.

Danke. Ja, ich liebe ihre Musik. Ähh, irgendwie erzählst du mir eher etwas, anstatt mir Fragen zu stellen, oder? (lacht)

Stimmt. Also, ich will natürlich auf die Instrumentals hinaus ...

Right. Die Instrumentals sind eigentlich alle genau in dem Augenblick entstanden, in dem sie im Studio aufgenommen wurden. Das unterscheidet sie vom Rest des Albums, für das Josh und ich natürlich Demos vorbereitet hatten. Es ist diese Fähigkeit zu experimentieren, wofür wir Band wie Neu!, Cluster oder Kraftwerk so bewundern, vor allem die ersten drei Kraftwerk-Platten. Der Moment, in dem Josh und ich "Negative 00 Ghost 27" aufnahmen, gehört zu meinen glücklichsten Augenblicken während des gesamten Aufnahmeprozesses. Ich stellte nur den Sound ein, holte Josh dazu, sagte ihm "Spiel C-Moll", er stellte sich ans Keyboard, ich drehte sieben Minuten lang an den Knöpfen, und fertig war das Stück. Es war so aufregend, anschließend dazusitzen und etwas anzuhören, was wir für brillant hielten, aber dennoch nicht richtig begreifen konnten, wie wir es geschaffen hatten. Diese Balance zwischen Perfektion und Makel macht es für mich interessant, und gerade mit diesen Experimenten erschlossen sich für mich in der Hinsicht neue Welten.

"In Relief" und "Omission" gehören zu meinen Album-Favoriten, für letzteren Song hat sogar dein Kumpel Josh Klinghoffer Credits eingeheimst. Hast du von Beginn an geplant, dass Gäste wie er, Chad und Flea mitwirken würden?

Josh war von Anfang an fester Bestandteil der Platte. Wir dachten sogar kurz daran, sie unter einem Bandnamen zu veröffentlichen. Nach und nach zeigte sich aber, dass es doch eine Soloplatte werden würde, es waren halt meine Songs. Wir machten also die ganzen Demos mit ihm an den Drums und uns beiden an den restlichen Instrumenten und da merkte ich, dass die Songs von der Beziehung zweier Menschen profitierten. Die meisten Sachen, die ich früher solo aufgenommen habe, hatten ja nie Drums dabei. Es war traurige elektronische Musik.

Aber bei den neuen Songs spürte ich, dass sie nicht programmiert werden wollten, sie schrien förmlich nach einem richtigen Drummer. Und Josh ... er ist wohl der einzige Schlagzeuger, der genauso denkt wie ich. Aber nun war er das erste Mal in so einem großen Studio, genau wie ich in meiner Funktion als Produzent und irgendwie bekam ich es nicht richtig hin, ihn mit der Situation vertraut zu machen. Josh ist vorher nie unter diesem Druck gestanden, man fühlt sich da wie unter einem Mikroskop. So war es letztlich einfacher und besser für alle, Chad mit Joshs Drum-Parts vertraut zu machen und ihm unsere Vorstellung des Drummings nahe zu bringen. Danach fühlte sich auch Josh wieder besser. Ja ... ähh, wie war noch mal die Frage?

Ob du die Gäste ...

Oh yeah, also nach außen hin ist es jetzt halt meine Soloplatte, aber eigentlich ist es das Album von Josh und mir. Ich habe die Songs zwar geschrieben, aber er hat ebenso viel dazu beigetragen. Naja okay, ich habe natürlich schon mehr gearbeitet als er. (lacht)

Wofür habt ihr Flea benötigt?

Flea besitzt einen Steh-Bass, und auf einem Song wollten wir halt so einen Steh-Bass verwenden. Für Flea war es das erste Mal, dass er ihn für eine Plattenaufnahme eingespielt hat und er war sich zuerst gar nicht sicher, ob er es hinbekäme. Aber er übte fleißig und spielte es dann ziemlich gut runter. Für den Song "Chances" fragte ich Omar Rodrigues von The Mars Volta, ob er vorbei kommen wolle. Seine Band war gerade im gleichen Studio mit dem Mixing ihrer Platte beschäftigt. Mein Gitarrenspiel auf "Chances" klang mir irgendwie zu glatt, deswegen brauchte ich jemanden, der Abstand dazu hatte, um dem Song eine neue Dimension zu verleihen. Das haute dann gut hin mit Omar und so blieb er einfach einen Tag länger und spielte noch auf einem elektronischen Song mit.

Mit den Chili Peppers spielst du diesen Sommer auf einigen Festivals. Meinst du, ihr habt genug Power, um euch gleich anschließend wieder an Songs für eine neue Platte zu setzen?

Was mich angeht schon. Für den Aufnahmeprozess braucht man zwar wieder viel Energie, aber eigentlich geht es ruckzuck. Wir gehen rein, nehmen die Songs auf, ich mache meine Overdubs und fertig. Okay, mittlerweile habe ich die zusätzliche Aufgabe, Background zu singen. Ich muss also auf Anthonys Gesangslinien warten, bis ich dran komme. Aber eigentlich haben die Aufnahmen zu einer Chili Peppers-Platte nie länger als ein paar Wochen gedauert.

Das Interview führte Michael Schuh.

Nach einem ansehnlichen Gig auf dem Dach des Saturn-Gebäudes in Hamburg, bei dem RHCP ihr am 8. Juli erscheinendes Album präsentierten, stellte sich Drummer Chad Smith unseren neugierigen Fragen zu dem neuen Album, der grassierenden Internetpiraterie, dem Einfluss des Krautrock und der Drogenvergangenheit gewisser Bandmitglieder.

Großartige Show, die ihr Jungs da abgeliefert habt!

Yeah, Mann! Freut mich zu hören, dass ihr Spaß hattet!

Ja, und es war das erste Mal, dass ich dieses Stück "Can't Stop" hören durfte. Das hat mich echt weg geblasen. Ein echter Funkrock-Brenner!

Jaja, wir haben's drauf mit dem Funkrock. Das ist halt unser Ding. Eigentlich war es gestern das erste Mal, dass wir dieses Stück live vor Publikum gespielt haben. Es war einfach großartig auf dem Dach zu spielen. Das hat uns viel Spaß gemacht. Und wir hatten ziemlich Glück, dass es nicht geregnet hat. Die Götter haben einfach auf uns herunter gelächelt! Mir waren da allerdings zu wenig Fans am Start. Man hat schon gemerkt, dass man hier vor der deutschen Musik-Journaille spielt. Da waren so ein paar Typen dabei, die einfach nur mürrisch rumstanden. Aber wir haben das ja nicht anders erwartet. Ich hätte lieber vor den Fans gespielt, die auf dem Dach des Gebäudes gegenüber abrockten!

Ich hatte gerade die Ehre, schon vorab in euer neues Album "By The Way" reinhören zu dürfen. Der erste Eindruck: Es klingt sehr intim und ruhig. Wie würdest du es beschreiben?

Ich glaube, das sind vielleicht die besten Songs, die wir je geschrieben haben. Wir haben uns diesmal von so viel Neuem beeinflussen lassen. Klar, die Leute erwarten immer diese Funkrockbrecher, und das ist ja auch ein Teil von uns. Aber wir vermeiden es, uns dauernd selbst zu wiederholen. Für jeden Künstler ist es wichtig, sich neuen Impressionen nicht zu verschließen. So gibt es jetzt viele unterschiedliche Stilrichtungen auf dem neuen Album. Alle unsere Alben hatten deshalb einen unterschiedlichen Sound, aber am Ende klingen sie doch alle nach Red Hot Chili Peppers. Das kommt daher, das diese vier einzigartigen, durchgeknallten Typen sich gefunden haben um diese Musik zu machen. Wir können glücklich sein, uns auf diesem Planeten getroffen zu haben. Das ist was Besonderes und wir sehen das nicht als selbstverständlich. Unsere Herzen sind weit offen und wir sind ehrliche Typen, die davon überzeugt sind, das Richtige zu tun. Und dieses Zusammengehörigkeitsgefühl schlägt sich auch auf das neue Album nieder. Es zeigt, wo wir uns gerade befinden.

Ja, Mann. Ich kann es kaum erwarten, bis das Teil im Laden steht. Ich hätte gerne jetzt schon ne Kopie.

Tja, da musst du wohl leider noch einen Monat warten. Weißt du, die Leute von der Plattenfirma sind ein wenig ängstlich wegen der Internetpiraterie und all dem Scheiß. Sorry!

Hast du persönlich auch Angst vor der Raubkopiererei?

Das Internet ist ein großartiges Werkzeug für jedermann. Aber wenn es um Musikmarketing geht, verstehen die Plattenfirmen keinen Spaß mehr, wenn dadurch die Verkaufszahlen herunter gehen. Ich persönlich würde die Platte gleich morgen rausbringen. Das sind halt Verkaufsstrategien ...

Letztes Jahr haben wir mit John gequatscht. Der hat uns vor allem von seiner Liebe zu den alten deutschen Rockern von Neu! und Can erzählt. Er sagte, diese Musik hätte großen Einfluss auf die neue Platte, die jetzt rauskommt. Stimmt das?

John ist ein Riesenfan dieser Musik. Ich glaube, dass alles, was uns im Leben je beeinflusst hat, irgendwann auch in unserer Musik heraus kommt. Vor allem natürlich musikalische Eindrücke. Aber du wirst keine direkte Verbindung hören, so dass man sagen könnte: "Oh ja, das klingt nach Can!", oder "das Teil klingt nach Kraftwerk!". Das kommt daher, weil hier vier Bäcker den ganzen Kuchen backen! Aber irgendwo im Unterbewusstsein schlummert das alles vor sich hin und irgendwie muss es ja auch nach außen dringen. Zum Beispiel in diesem neuen Song "Cabron" hört man ganz klar die Einflüsse der mexikanischen Kultur, die uns ja in L.A. sehr prägt und die das Leben dort so lebenswert macht. Das ist einfach ein Produkt unserer Umwelt, ein Teil von dem, was wir sind und wie wir leben.

Auf dem neuen Album liebäugelt ihr viel mit elektronischer Musik, vor allem bei dem Track "This Is The Place". Auf wessen Kappe geht das?

Ach, wir mögen eigentlich alle vier gerne elektronische Musik. Aber ich glaube, das geht vor allem auf John zurück. Er hat alle Instrumente auf seiner Soloplatte selbst eingespielt und wie du weißt, ist er ein großer Fan von Musik aus den 80er Jahren. Ja, das ist eine Art Dynamik, die John da in unser Album miteingebracht hat. Ich als Trommler halte nicht so viel von elektronischen Drums, obwohl wir sogar auch welche auf "The Zephyr Song" eingesetzt haben. Wir benutzen manchmal Johns Drummachine zum Jammen, quasi um uns warm zu spielen. Das ist eigentlich auch was Neues für uns und wir probieren immer neue Sachen aus, die uns herausfordern. Keep it fresh!

Habt ihr wieder in Fleas Garage gejammt, wie damals 1998 bei der Aufnahme zu "Californication"?

Nee, Flea ist umgezogen. Er hat ein neues Haus, leider ohne Garage! Wir sind dann in ein richtiges Probestudio umgezogen. Ihr müsst wissen: Wir sind nicht länger die Garagenband von früher! Wir sind jetzt erwachsen! (lacht)

Das neue Album wurde wieder von Rick Rubin produziert.

Yeah, Mr. Rick Rubin, indeedeedoo!

Wie kriegt er nach so vielen Jahren noch das Beste aus euch raus?

Rick lässt uns einfach uns selbst sein. Er versucht nicht, uns einen "Rick Rubin-Sound" aufzudrücken. Er lässt uns viel herum improvisieren und hilft uns dann später, aus diesen Fragmenten die Konsistenz des Songs heraus zu filtern. Er hat einen großartigen Musikgeschmack und ein geübtes Ohr. Er ist einfach ein witziger Typ. Außerdem sind wir natürlich jahrelang eng befreundet. Ursprünglich wollten wir diesmal mit jemand anders zusammen arbeiten. Aber als wir dann einen Haufen Material zusammen getragen hatten, fiel die Wahl dann doch auf ihn, weil wir wussten, dass er der richtige Mann ist, uns bei der Umsetzung zu helfen. Es ist immer gut, seine differenzierte Perspektive zu haben. Er kann sich immer gut in das Material einarbeiten und bringt dann großartige Ideen mit. Wir mögen ihn einfach. Er ist ein guter Kerl!

Wir wollten noch was über das Coverartwork wissen, das dieses Mal vom berühmten Filmemacher Julian Schnabel stammt. Wie kam es zu dieser Zusammenarbeit?

Julian ist außerdem ein sehr berühmter Maler. Ihr kennt ihn vielleicht nur vom Film, aber er arbeitete damals in Warhols Factory zusammen mit Basquiat. Die Verbindung entstand eigentlich deshalb, weil John mit Julians Tochter Stella verlobt ist. Julian hat sich unsere Platte angehört, dann angerufen und gesagt, er liebe dieses eine Lied so sehr. Er sang uns den Song dauernd auf den scheiß Anrufbeantworter. Er meinte, er sei total inspiriert und wolle unbedingt einen Beitrag zu der Platte leisten. Also haben wir ihn ausgesucht, das Artwork und die Fotos zu machen. Wir sind ziemlich glücklich und stolz mit der Wahl. Ich glaube, er ist ein großer Künstler.

Du wirst als Ruhepol der Band gehandelt, weil du dich immer aus den Drogengeschichten rausgehalten hast. Schöpft die Band auch aus ihren schlechten Erfahrungen?

Ja, sicher. Nach alle den Jahren zusammen haben wir heraus gefunden, dass die Chemie zwischen uns Vieren - John, Anthony Flea und mir - etwas sehr Spezielles ist. Davor haben wir das alles zu selbstverständlich hingenommen. Heute, da John wieder in der Band ist, wissen wir es mehr zu schätzen, was wir da haben. Wir sind einfach glücklich, zusammen Musik machen zu können. Wie lange das dauern mag, weiß ich nicht. Ich habe keine Kristallkugel, um in die Zukunft zu sehen. Aber im Moment sind wir alle sehr glücklich und vor allem gesund. Alles, was wir durchgemacht haben, hat uns nur wachsen lassen und uns zu den Musikern werden lassen, die wir heute sind. Von dem her glaube ich schon, dass alle diese Erfahrungen wichtig sind, um erwachsener zu werden.

Wir haben irgendwo gelesen, dass du an Fleas Musikschule unterrichtest.

Nein, ich habe bisher noch nicht unterrichtet. Aber ich habe ein Stipendium eingerichtet, für das Flea jedes Jahr einen Schüler auswählt. Da ich das Stipendium sponsere, muss es natürlich ein Drummer sein. Es geht darum, dem Kid zu ermöglichen, ein Jahr umsonst Trommelunterricht nehmen zu können. Aber ich werde ganz sicher noch an Fleas Schule ein paar Seminare halten, yeah! Das mit der Schule ist einfach eine Spitzenidee!

Wie viele Studenten gibt es dort?

Ich glaube, so um die 100 Leute. Es ist eine offene Schule für jede Art von Instrumenten.

Welche Vorkenntnisse müsste ich mitbringen, um dort aufgenommen zu werden?

Du musst Geld mitbringen! (allgemeines lachen) Nein ernsthaft. Du musst einfach ein aufrichtiger Musiker sein, naja, vielleicht nicht zu aufrichtig. Aber vor allem musst du jemand sein, der Musik machen und sein Instrument lernen will. Und zwar von jedem Level aus, ob du nun Anfänger oder Fortgeschrittener bist, egal. Es gibt Lehrer für alle verschiedenen Kenntnisgrade. Du musst einfach die Leidenschaft für die Musik mitbringen!

Chad, vielen Dank, dass du dir die Zeit genommen hast!